Es un viaje en el tiempo a algunas de las piezas más emblemáticas de la joyería portuguesa de finales del siglo XII a principios del siglo XIX, en el Museo de Arte Sacro de Funchal, a través del conocimiento profundo de Francisco Clode,director Regional de servicios de museos y patrimonio de la Dirección Regional de Cultura, en la que fue la última charla cultural del proyecto "dar a ver".
La colección de joyas del Museo de Arte Sacro es de gran importancia no sólo por su calidad y diversidad, por su legado histórico, sino también por la revelación de la historia de la joyería portuguesa. Hay un conjunto de obras de arte de absoluta excepción, son cuatro piezas de oferta directa de la corte del Rey D. Manuel I, cuya obra más emblemática ha circulado por todo el mundo para numerosas exposiciones, desde el siglo XIX, por su representación de Manuelinos, por qué es tan importante esta cruz, la pieza central del rey, que muere en 1521, pero deja expresamente en una carta real que esta obra de joyería litúrgica y el resto quedaría para el presbiterio de la Catedral? Esta cruce procesional, como la palabra indica, quiere decir que se lleva en la procesión, es única, porque las otras obras similares y documentadas que se conocen han desaparecido, la de los Jerónimos es uno de estos ejemplos y la otra cruz procesional que es similar es mucho más antigua en términos de tiempo y se encuentra ahora en el Museo Alberto Sampaio, en Guimarães.
La pieza está constituida por los elementos típicos de los cruces procesionales, uno de ellos es un nudo y es como en muchos casos de orfebrería manuelina es una mezcla de achivements, es decir, representa un gótico final en desaparición progresiva, pero es En sí misma la Expansión y apertura al mundo, es una apertura renacentista a Europa. Es importante observar ya en la época en que se hizo la alusión a la arquitectura romana, que es el nuevo arte emergente, el renacimiento que viene a mezclarse con el gótico. El arte manuelino es este crisol entre la unión de esta tradición sagrada-medieval que reúne el arte del renacimiento. El aparato siempre constituye las obras relacionadas con las órdenes reales, porque ahora la presencia constante de los símbolos del rey, la esfera amílica, los ajustes, la corona real portuguesa, están representados en los portales de la arquitectura civil o religiosa La coronación de los arcos y es muy interesante que en el orfebre manuelino estos elementos vuelvan a aparecer.
También hay otra información, a menudo en el platero portugués, gran parte de ella se hizo en la calle de los orfebres en Lisboa, había maestros dedicados sólo al oro y otros a la plata, la calle de oro y plata aparece más tarde en la ciudad pombalina, en el círculo de la corte, entre los más cercanos orfebres del rey que se ejecuta esta cruz. También quiero llamar la atención sobre el hecho de que estos cruces son a menudo modelos para la arquitectura, si nos damos cuenta del nudo de la cruz, tiene contra-fortalezas, butarus y pináculos, todos estos elementos verticales que dan el efecto de una construcción que es cerca de la Iglesia de los Jerónimos, con su arquitectura manuelina.
Luego hay otro elemento interesante, además de los detalles de la raíz gótica, también se ha filtrado en estos portales que se están desarrollando en el hexágono de la base, son elementos abiertos, que se identifican con Diogo de Castilho, autor del claustro del monasterio de los Jerónimos. Por lo tanto, son elementos que tienen que ver con esta nueva gramática decorativa, a través del grabado flamenco e italiano que comenzó a llegar a Portugal, a menudo a través de modelos españoles, o incluso a través de la presencia de orfebres extranjeros que llegaron a trabajar para la corte de Lisboa.
Otro aspecto a mencionar, la enorme delicadeza y la situación tecnológica, y así es como debe decirse, la pieza de plata está muy avanzada para su tiempo, tal es la calidad de toda su gramática simbólica y temática expuesta, así como el dibujo de la plaga y el trabajo de plata. La representación de la flagelación de Cristo, la traición de Judas, hay una historia principal y la narrativa que se desarrolla, por un lado tenemos el Cristo crucificado, por el otro Cristo redentor y salvador.
La segunda oferta del rey, que se incluye en las 21 piezas que se colocaron en una caja en Lisboa, de las cuales sólo estos cuatro sobrevivieron hasta el día de hoy, es también una obra muy rara de la joyería portuguesa, El porta-paz, es de un último lenguaje gótico y asume un gusto moderno. Hay saqueos, capiteles corintios, la aplicación de piedras preciosas en la orfebrería llega a la conclusión de que son las tumbas de Santiago de Compostela, tiene que ver con esta idea simbólica de ofrecer paz, una pieza en movimiento, que representa la Epifanía.
Luego hay un doble sentido, los peregrinos fueron los que se trasladan a los lugares de mayor peregrinación, que es el sentido de la presencia del depósito de piedra que flanquea la escena principal, pero también tiene algunos símbolos reales, los tritanos, las figuras míticas mitad-humanos, mitad-peces que sostienen la corona, no sabemos si la figura superior sería un ángel-teniente, o Dios el Padre, porque está roto. Sin embargo, hay una cosa que sabemos es que la escena de los reyes que tiene dos representaciones, una en el retablo de San Benito, por Gergório Lopes, y otra del retablo de Sétubal por Jorge Afonso, muy probablemente los orfebres de la la plata tenía para los grabados flamencos e italianos modelo, pero fueron influenciados por los pintores primitivos portugueses, ambos nombres mencionados eran artistas de la corte real y muy cercanos a esta innovación que las presentaciones del renacimiento que hay en el oro y la plata portugueses.
El cáliz de oro de finales del siglo XVI ya no tiene campanas, porque cuando se levantaba redobla la atención del gesto, sino que tiene colgantes sobre el cristal de roca, que se considera una piedra preciosa y es muy interesante darse cuenta que esto resulta de la expansión marítima de Portugal en el Oriente. Estos materiales provienen de aquellas partes del globo que les permiten adaptarse y aplicarse a estas piezas de joyería. El cáliz proviene de la Catedral de Funchal, pero su origen es una capilla en ruinas, que es San Juan de Letrán, cerca del Aeropuerto Internacional de Madeira.
Nuestra Señora del Rosario, es otra de las obras, se cree que el rosario es de coral, es una pieza que se puede fechar entre 25 a 35 años del siglo XVI, al contrario de lo que se pensaba, es también único en el contexto nacional, en su base presenta uno de los símbolos de ser nuestra dama del brote, que es una flor y se abre, es la idea de ser madre no sólo de Dios, sino de todos nosotros, porque nos trajo la descendencia divina. Me acerco a este trabajo de escultura porque hace un encuadre del tiempo y cómo las otras artes reaccionan ante el orfebre.
Las últimas piezas son de Antuerpia, es el cáliz de la Matriz de Machico y el nombrado plato de Figueira, nadie sabe quién era este hombre, ya que es apodado como la bandeja do Figueira, es una obra flamenca del tercera cuarto del siglo XVI y tiene la representación del dios Janus, que es el dios de los dos mundos, de las dos caras, de la puerta del camino del cielo, o del pecado. Es muy interesante ver cómo la mitología clásica y toda esta gramática simbólica del renacimiento también se introducen en las piezas del cristianismo. No olvidemos que Antuerpia fue hasta 1587 uno de los centros comerciales más importantes de Europa y por qué esta fecha? Porque el imperio español toma la ciudad, la destruye en ese año y deja de ser el centro de la orfebrería europea.
El pequeño calderón es también una reunión de dos mundos, la casi desaparición del gótico final y estas ideas clasicistas del Renacimiento y aquí tenemos la importancia de los símbolos reales, una de las más grandes esferas amilares del contexto portugués, la esfera mundial , símbolo del rey portugués pensaba de sí mismo y que se auto-intulaba la esperanza del mundo y se presentaba como un redentor. Es muy interesante ver que la esfera cubre todo el fondo de la pieza.
El otro conjunto de piezas que representa la extraordinaria riqueza y diversidad tipológica del museo, en el último cuarto del siglo XVI y la mayor parte del XVII, todos ellos, o la inmensa mayoría representan la riqueza de los talleres de orfebre y les revelan que el maestros de la plata mientras trabajan para confraternidades religiosas demuestran una gran vitalidad de este negocio en Portugal.
La mayoría de los orfebres de Madeira se acercan al manierismo nacional ya menudo se traducen en un lenguaje carente de grandes aparatos, pero tienen una delicadeza formal y un trabajo de grabado muy característico del orfebre de la época.
La salva com pie fue ejecutada por alguien que vio el trabajo de los flamencos y lo estableció en la bandeja de la Figueira, había una capacidad de observar el orfebre de otros lados y luego traducirlo al gusto nacional y regional. Otro elemento que aproxima esta pieza a la arquitectura es que el arte portugués tiene una idea de simplicidad, de descalificación, de rigor formal, raro en el contexto europeo, pero interesante en el contexto ibérico y especialmente en el contexto nacional. No podemos olvidar que en 1580 perdimos nuestra independencia, que sólo recuperamos en 1640 y por lo tanto nos veremos en Portugal, que se designa como una arquitectura plana, que se despoja, crea una idea de gran sencillez formal y decorativa y luego tiene este efecto funcionalista.
La nave, que servía para transportar el incienso, es una gran presencia de las joyas de los siglos XVII y XVIII, pero se integran otros elementos artísticos y ayudan a percibir el contexto decorativo, en este caso, es la idea del barroco. En este momento tenemos el relleno de este arte por elementos barrocos. La palabra barroco parece ser de origen portugués, según algunos países europeos surge en la forma en que los portugueses llamaron piedras deformadas de Arabia, barrocas, perlas que no eran perfectas, pero también en el Alentejo hay piedras en las llanuras llamadas barrocais, en el fondo lo que está en la base de este movimiento es una dispersión visual.
Cuando miramos las piezas marcadas por la restricción visual en el espacio con su sobriedad decorativa, el barroco trae el espectáculo del triunfo, de una iglesia que se renueva, tras el cisma de Europa y el Concilio de Triento que traerá un nuevo expresión y propaganda de la fe. Este lenguaje visual está vinculado a una apropiación del espacio, hay una especie de gesto amplio y desequilibrado que comienza a desarrollarse en todas las obras de arte a la arquitectura y la orfebrería.
La gran sede del arte barroco es Roma y es de Italia que los modelos vienen a ser ampliados en Portugal y que vamos a traducir nuestro camino. La pieza es de extraordinario cincelado, es una de las obras de la corte barroca, de 1747, anterior al terremoto de Lisboa, hay una atención formal ilusoria, pero que luego es revolucionada por estas fronteras y "labéus" y trae espacio dentro el propio objeto.
Madeira tiene la mayor colección de navetas a nivel nacional, la pieza en cuestión es una especie de representación barroca, la definición de la nave desapareció casi por completo, despegó de la obra y es una revolución formal de apropiación del espacio, organizada del caos, la desaparición de la forma básica y la creación de una autoridad formal que es muy ideológica del arte barroco portugués. Hay también una serie de sacras, dignas de su significado arquitectónico, por la ilusión óptica, pero en el fondo era una hoja de trucos, por lo que los sacerdotes no se engañaban se escribía exactamente lo que se iba a decir, la repetición de momentos de la Misa.
El custodio de oro es de un orfebre francés que vivió en Lisboa, Paul Malle, es de 1799, es el primer ejemplo de orfebres neoclásicos en Portugal, además, tenemos algunos elementos de neoclasicismo que marcará el siglo XVIII y una parte del XIX. Llamo la atención a la delicadeza de la obra de grabado de oro, de los cortes de las pinturas del clásico.
