Lo sagrado y lo profano es la conexión entre Daniel Melim y Pedro Kogen, en la próxima exposición de la Galería de los Placeres, en Calheta. Lo que une a estos dos artistas? Son jóvenes con talento, porque no tienen miedo de experimentar, ni de expresar esa pulsión de múltiples formas. Qué los distingue? La manera única como ven todo lo que les rodea. Daniel Melim tiene un trabajo casi naturalista, que se refiere a la naturaleza y los seres humanos en su contexto social. Es un artista más carnal, físico y transmite más las emociones a la superficie de la piel. Peter Kogen es el reverso de la moneda es un artista impulsado por la lógica, por la reflexión, que interpreta una obra tridimensional. Es menos impulsivo, más neural, más íntimo y eso se nota a la distancia llevada a la letra. Una dualidad no perderse el 5 de octubre.
Cuál es la idea detrás de esta exposición?
Daniel Melim: Es una reunión entre el recorrido de ambos. Hay dos puntos de vista distintos. Yo trabajo más en el área de la imagen en términos de pintura y dibujo y Pedro Kogen versa más un aspecto tridimensional, con un enfoque común, dibujamos Placeres. Hemos diseñado la naturaleza, así como nuestras preocupaciones, lo que nos interesa más, la idea de lo sagrado y lo profano, de una forma sencilla y ampliada, no en el sentido religioso del término. Este será el hilo conductor de la exposición, sin embargo, no teníamos esa idea clara desde el principio, porque hemos venido aquí a hacer una residencia artística con una mente muy abierta y desde allí veíamos lo que aparecía.
Tu obra refleja la naturaleza y su entorno, ya sea en la pintura o el dibujo. Es en este ambiente que te sientes más a gusto?
DM: Yo trabajo desde modelos tridimensionales, en este caso la naturaleza y luego rehago las imágenes en el estudio, todavía las trabajo más tarde en mi imaginación, si quieres, a través de mis referencias personales y gran parte del universo del cómic. La naturaleza o incluso aquí, en este ambiente de jardín protegido del exterior, ya sea en cualquiera de las playas no vigiladas en la que trabajo, me toca, se siente directamente que son lugares donde estas fuerzas naturales, convergentes, el equilibrio, el desequilibrio. Siento que la vida vibra en estos lugares.
Su universo artístico refleja un poco la corriente del naturalismo. La luz y las sombras son dos aspectos que le preocupan?
DM: Sí, en el sentido de la proximidad en el exterior y el estudio. No te gusta estar aislado, supuestamente siendo genio, la creación en un cubículo cerrado, sino en el sentido del naturalismo, después del impresionismo a finales del siglo XIX. Trabajo de impresiones desde el exterior de la naturaleza que no está protegida, en ese sentido sí. La luz y las sombras, las texturas, la fluidez y rigidez, y luego pasa para mi trabajo. Mi interpretación tiene siempre estos dos niveles, el trabajo en la calle y en el interior que es más sintético, más preciso en términos de imagen. Hasta que pueda desarrollar ese apuramiento en la calle, pero siempre ahí el trabajar dentro.
Las playas no vigiladas que le atrajo de este tema?
DM: Porque por un lado tiene esta conexión con la naturaleza mediada por menos personas, lo que significa que no hay nadie mirando, yo soy responsable de mis pasos, me gusta esa idea. La responsabilidad en el contexto actual de Madeira que se está viendo, es algo que me interesa de alimentar y probar.
Por qué toda esta secuencia de dibujos en blanco y negro parece haber sido un trabajo más completo que los otros dibujos a color?
DM: Porque tomó más tiempo, son imágenes hechas a mano. Donde reflejo de la dimensión del tiempo, que no tiene nada que ver con la inclusión del color está relacionada con el tipo minucias de la propia persona se auto requiere, en este caso es meticulosa en las texturas. Se presta una atención especial a la aspereza y la forma en que la historia de la ducha, de este barco y de este acantilado es contada. Se trata de un solo elemento negro sobre blanco. Como tengo la intención de narrar cada una rugosidad muy bien esto conduce a una especie de extensión en el tiempo, ya que también lo podría haber hecho en cuatro brochadas y opte por no hacerlo. Es monocromático, pero se siente esa profunda en la obra.
El hecho de que eres isleño, que dibuja solo, es una especie de isla en sí mismo, tiene alguna influencia en su trabajo como artista?
DM: Creo que me tomó un tiempo para darme cuenta de que la influencia de haber crecido en Madeira y, aunque hace once años resido en Lisboa, sólo los últimos siete años me di cuenta de la influencia específica de crecer aquí y no en otra parte. El regreso toma las riquezas de la isla y esta dimensión de la que hablas, no sé si es el momento, pero es más bien mi presencia individual en el mundo. Como una persona se inclina en una piedra, o incluso en un elemento tiene esta dimensión de la isla. Si usted nota en mi pintura hay siempre un solo componente, por más turbulento y dinámico que sea. Esta es la idea de la isla, pero sobre todo la importancia de esta vibración de las rocas orgánicas, los acantilados, las escaleras que la gente excava en la montaña, los terrazos improvisados, esta primavera casi constante cuando donde se regenera todo y creo que esta dimensión está presente en mi obra. Por otra parte, me baso en la calle, ofrezco dibujos a personas que están en recuperación, este es el resultado de un proyecto que tengo con una amiga psicóloga. También está el trabajo que hice en Ribeira Seca, con Rigo, para una comunidad que tiene una idea muy diferente de la libertad. Tiene que ver con una falta de sentido de comunidad en un aspecto más amplio. La isla cuenta con este aislamiento excesivo de personas y que hablo también de mí. Mi trabajo en este sentido también me abre para la comunidad, al ser una isla, aquí es la necesidad de liberarme más, para interactuar con otros, para fomentar la libertad y el sentido democrático de compartir.
Una de las preocupaciones que se reflejan en sus obras es la luz, la sombra y la geometría.
Pedro Kogen: Es más espacio y también tiene una preocupación con los medios de suporte, si los diseños son compatibles, los encuadramientos y como materiales juegan entre sí. Una vez que tengo un interés paralelo es que la teoría física.
Cómo se transpone la teoría física, en términos artísticos?
PK: El trabajo de los imanes (de la serie "en attendant") ese es un tipo de investigación. Todos estos aspectos se mezclan ya veces hay algunos que se centran más lo que decías, la luz y la sombra. Antes de venir aquí, en París, tuve un pedido de un cuadro para un coleccionar privado, mi preocupación después de hacer el diseño fue integrarlo en el marco. Para ello hice un soporte de resina con una placa magnética, por lo que la pregunta es cómo los dos se aferran los dos planes? Luego entra todo, el lado magnético, la luz y la sombra. Estoy tratando de unir todos estos puntos y sintetizarlos.
Los materiales te interesan?
PK: Sí, tiene que ver con la arquitectura, aunque trato de apartarme de esa ruta. Una persona que tiene un trabajo siempre trae todo el equipaje, pero no quiero decir nada de arquitectónico, sí tengo una mirada en el espacio y las proporciones que viene de mi formación. El material me interesa. Para la exposición de los Placeres, recogí madera quemada y estamos a ver cómo usarla en la exhibición . El material como él mismo e insertado en otras áreas.
Sé que trabaja en las tres dimensiones?
PK: Sí, tienes razón. Creo que cuando dibujo, no lo imagino en dos dimensiones, creo que es siempre en términos de un contexto, un entorno. Tengo una especie de obsesión. Incluso dentro de ese idealizado como lo hice para el coleccionar privado, ya sé dónde está el norte, sur, este y oeste y como luz entrará en la habitación.
Te imaginas todo esto antes?
PK: Sí, lo tiene todo. Si la luz es más rasante, si es más tenue. Cuenta todo el resultado final.
Y el resultado es todo lo que imaginaba o hay sorpresas?
PK: No puedo decir que puedo dominarlo todo, nadie puede estar tan seguro. Yo no soy como otros artistas que deja una parte al azar, yo hago lo contrario. No deja, sin embargo, ser una buena cosa, por ejemplo, en este trabajo con Daniel, esta residencia artística, probar esta posibilidad, por el tipo de reunión y el sitio. Estoy tratando de dejarme influenciar por este aspecto, porque normalmente soy más perfeccionista.
Porque dejó la arquitectura? Sintió que ya había explorado todo, o simplemente porque sintió el llamado de las artes?
PK: Soy como todos los pintores, empecé a dibujar cuando era niño. Decidí seguir la arquitectura más por la familia. Pasé siete años en un taller muy bueno, ha participado en proyectos fantásticos que nunca más tender en la vida, el nivel era excelente y tenía una muy buena calidad de vida. No sé si fue a causa de la crisis de los 30 años, decidí cambiar. Ahora estoy desarrollando una serie de proyectos y no me considero ni arquitecto ni un artista. Desde muebles a una serie para unas revistas, a conceptos para las ciudades del futuro, al mismo tiempo que estoy pintando para las galerías y todavía lo hago instalaciones para espacios públicos. Básicamente, no puedo ponerme en una burbuja y una categoría. Hago los proyectos que me propongo.
Cree que vivir en París ayudó a su nueva carrera, porque si fuera en Portugal sería más difícil?
PK: No sé si sería más difícil. No puedo responder a eso. A través de una serie de causas y efectos resido en esta ciudad, he estado allí ocho años y conozco a mucha gente allí. Ayuda porque hay un montón de arte y el nivel es muy bueno. Es una ciudad que no para.
Cuénteme un poco del trabajo que desarrollo para esta exposición.
PK: Es lo sagrado y lo profano. En este contexto, en los dibujos, en las pinturas, propondré una frase atribuida, creo, a los chinos, que dicen que hay tres momentos sagrados en la vida, el nacimiento, el matrimonio y la muerte. Así que hice un dibujo para cada uno de estos pasos. En las conversaciones que tuve con Daniel siempre trate de crear un vínculo con la isla, yo no soy de aquí, el es y este contraste ha aclarado algo. Traté de usar mi distancia como una capa adicional a la obra. Entonces estos momentos están relacionados con un amigo que se casó aquí, son las fotos que trabaje, empecé por el digital y el dibujo a mano. Estrechamente no ve nada, sólo se puede apreciar desde lejos. Es la distancia íntima. Me gusta estar cerca, pero de lejos. Después voy a pintar una cascada, porque me fascinan los paisajes y las nieblas de Madeira. Lo llamaré hierofanía vertical, es un término complicado, que es utilizado por Eliade Mirlea, simplemente significa manifestación de lo sagrado.
